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A Arte de Daniel E. Greene: Mestre do Realismo Figurativo

A Arte de Daniel E. Greene: Mestre do Realismo Figurativo



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Em uma carreira de sete décadas, Daniel E. Greene passou o tempo exatamente onde sempre quis estar - no cavalete.

A equipe da Rede ficou triste ao saber que Daniel E. Greene, mestre em pastelaria da Sociedade da América e homenageado no Hall da Fama, faleceu recentemente de insuficiência cardíaca congestiva. Ele também foi professor e mentor de vários artistas e amigo de nossa própria família da Rede, atuando em nossos conselhos editoriais e contribuindo muitas vezes para apresentar histórias emArtists MagazineeDiário De Pastel. Além disso, ele foi co-autor da monografia,Daniel E. Greene Estúdios e metrôs, com Maureen Bloomfield, crítica de arte e editora de longa data daArtists Magazine, para a North Light Books em 2017. As pinturas a óleo e os pastéis de Greene podem ser encontrados em mais de 700 coleções públicas e privadas nos Estados Unidos e no exterior.

Doações em memorial podem ser feitas, em nome de Daniel Greene, à organização sem fins lucrativos, Artists 'Fellowship, Inc., que oferece apoio financeiro aos artistas em momentos de necessidade. Devido ao novo coronavírus, a organização recebeu um grande número de solicitações de ajuda de artistas que sofreram perdas devido ao vírus.

A carreira de sete décadas de Greene foi destacada em um artigo escrito pela editora Anne Hevener na edição de outubro de 2015 daDiário De Pastel. Dedicamos o artigo, republicado aqui, à sua memória.


Uma vida em imagens

Tendo trabalhado como pintor profissional por 65 anos, não é surpresa que o artista Daniel E. Greene tenha acumulado um grande estoque de histórias interessantes. Parecia especialmente apropriado - ao marcarmos a nossa centésima edição da revista - uma visita a um pintor comprometido com o meio pastel desde que primeiro cortou os dentes no retrato como artista de rua na década de 50 em Miami. Embora Greene tenha trabalhado muito em petróleo também (a maioria de seus retratos encomendados é feita nesse meio), em seu trabalho pessoal, ele sempre se alternava entre os dois. E seus pastéis - grandes, formais, conceitualmente e tecnicamente deslumbrantes - provaram anos atrás que o meio é tão adequado quanto os óleos para criar um trabalho sério e realizado.

Conversei com o artista em abril passado, logo após seu último show individual na Gallery Henoch, em Nova York. Perguntei a ele sobre as experiências, escolhas, realizações e pinturas específicas que moldaram sua vida na arte.

Décadas de 1950 a 1960: Um sonho imaginado

Confiante desde tenra idade que ele queria ser um artista profissional, Greene deixou sua cidade natal, Cincinnati, em 1952, aos 18 anos. Ele foi para Miami, onde sua mãe morava na época. Seu objetivo era conseguir um emprego e economizar dinheiro suficiente para ir à escola de arte. "Consegui vários empregos ruins lá", diz ele, "instalando capas de assento em carros, por exemplo". Quando ele descobriu os artistas criando retratos em tons pastel nos hotéis do resort e nas lojas da Collins Avenue, movimentada e turística, ele sabia que era isso que ele queria fazer. "Fiquei intrigado ao vê-los", diz Greene. "E me ocorreu que, se eu pudesse conseguir um emprego, seria uma ótima maneira de aprender e me envolver com a pintura."

Embora o tenham recusado várias vezes, a perseverança de Greene valeu a pena. Quando um dos artistas foi embora, o novato de 18 anos foi contratado para ocupar seu lugar. Em pouco tempo, Greene estava exibindo, em média, sete retratos de 20 x 16 polegadas por dia. "Comecei a me ocupar e comecei a melhorar", diz ele.

Centro do mundo da arte

Logo, o artista economizou dinheiro suficiente para se mudar para a cidade de Nova York. Ele se matriculou na Art Students League e começou a estudar com o artista Robert Brackman. "Foi aí que aprendi sobre a importância do valor, da cor e do desenho - como construir uma pintura. Foi uma revelação ”, diz Greene.

Embora tenha sido um momento emocionante, também foi desafiador. Incapaz de se dar ao luxo de frequentar as aulas regularmente, o jovem artista se candidatou a bolsas de estudos e trabalhou em trabalhos estranhos - em vendas de calçados e em fábricas - e continuou a frequentar a escola sempre que podia. Eventualmente, ele começou a expor e começou a ganhar prêmios.

Viver com talento

Em 1963 e 1964, Greene ganhou doações significativas para artistas emergentes da John F. e Anna Lee Stacey Foundation e da Elizabeth Greenshields Foundation. "Eu não precisava mais trabalhar em empregos estranhos para ganhar a vida", diz ele. "Eu poderia me sustentar como pintor."

O artista mudou-se para um estúdio em Greenwich Village, onde seu bar do bairro, o Cedar Tavern, era o ponto de encontro favorito dos artistas Jackson Pollock, Willem de Kooning, Mark Rothko e outros. Esses expressionistas abstratos estavam colocando a cidade de Nova York no mapa mundial da arte. No meio desse ambiente emocionante, Greene percebeu que enfrentava uma escolha. “Meu dilema era se deveria ou não capitular e fazer o que eu acreditava ser um trabalho menos desafiador, mas mais oportuno - em abstrato - ou continuar tentando aprender a pintura clássica.” Por fim, ele decidiu seguir seus instintos e continuar seu próprio caminho.

A série de pinturas que cresceram nesse período - retratos de pessoas que ele conheceu em sua vizinhança - demonstrou essa dicotomia interessante: uma subcultura hippie não tradicional (vejaMenina com óculos azuisretratado na venerável tradição do realismo figurativo.

1970s-1980: Forjando uma visão pessoal

Em 1969, Greene começou a lecionar na Academia Nacional de Design e continuou lá por cinco anos. Em 1974, ele começou como instrutor na Art Students League, eventualmente assumindo as aulas de Brackman. "Às vezes, eu tinha 75 alunos em uma turma e apenas dois modelos", diz Greene. "Era uma situação impossível, mas começou uma longa carreira de ensino."

O artista começou a pintar muitos de seus alunos durante esse período. Alguns deles eram modelos para uma nova série de trabalhos que ele começou de pessoas empinando pipas. O artista havia se mudado para um estúdio na 67th Street, a meio quarteirão do Central Park - um local favorito para os papagaios. “Foi uma oportunidade de combinar figuras com esses itens decorativos muito coloridos”, explica Greene.

Foi também uma série em que o artista introduziu uma borda decorativa na imagem.Bill With Kite (acima) incorpora uma borda de papel crepom, captando um material frequentemente usado como cauda de pipa. “A idéia de fronteiras era algo que eu gostava na pintura flamenga dos séculos 14 e 15”, diz Greene. "Essas foram tentativas de forjar minha própria identidade pessoal em minhas pinturas, utilizando elementos que eu gostava da história da arte."

Os pastéis eram grandes, pintados em masonita, que o artista preparou com um terreno especial contendo cristais de quartzo. “Comecei a trabalhar mais”, diz Greene, “quando descobri como fazer minhas próprias superfícies. Eu experimentei maneiras diferentes de fazer com que um material abrasivo e áspero aderisse a um suporte rígido. ”

O poder do realismo figurativo

Greene também pintou muitos retratos encomendados durante esses anos, através de uma afiliação à Portraits, Inc. Seus clientes ao longo dos anos incluíram indivíduos altamente talentosos: senadores e governadores, CEOs, compositores, condutores, autores e artistas. Porque ele pintou da vida, o artista viajou muito. "Esse tipo de trabalho era uma maneira extraordinária de aprender e praticar", diz ele. “E eu estava sendo pago por isso. Aumentou minha oportunidade de viajar e conhecer pessoas interessantes - e praticar pintura. Pude experimentar coisas novas enquanto trabalhava, enquanto fazia o que os artistas fazem há séculos - pintando retratos. ”

A maioria dessas comissões foi solicitada em óleo. No entanto, Greene continuou a fazer retratos em pastel também, incluindo um retrato de Robert Beverly Hale (acima). Esta é uma pintura seminal para o artista, considerada por muitos como a sua maior obra.

Década de 1990 - hoje: possibilidades infinitas

Ao longo dos anos, Greene encontrou alguns assuntos persistentemente cativantes e dignos de exploração contínua. Ele ficou apaixonado por tudo, desde os padrões marcantes dos jogos de carnaval (Tabuleiro de damas verde com balões e dardos, acima) ao grande drama dos leilões de belas-artes. Mas sua série inspirada nas estações de metrô de Nova York tem sido a mais prolífica; até o momento, inclui 117 pinturas.

Sua inspiração inicial para a série teve origem nos dias de estudante, quando andava regularmente de metrô para a escola. “Lembro-me de ver um grupo de pessoas sentadas em um banco sob um dos mosaicos e pensando que seria uma boa pintura”, diz ele. Anos depois, ele decidiu agir com base nesse impulso anterior e começou a produzir pinturas - em tons pastel e a óleo - de um mundo subterrâneo bonito. Embora ele tenha começado com um foco de quase natureza morta nos mosaicos das estações de metrô, o artista abordou quase todos os gêneros de pintura existentes - desde composições e retratos figurativos a trabalhos de paisagem, como96th Street Tunnel (abaixo).

Infinitas possibilidades

Greene nem sempre sabe que está embarcando em uma série importante no início de uma pintura. "Durante a pintura ou no começo, percebo que há várias maneiras de abordar o assunto". Ao estabelecer uma natureza morta, por exemplo, ele pode levar horas para o arranjo. E então ele começa a olhar de diferentes ângulos. "Certos assuntos são tão intrinsecamente interessantes e suscetíveis a mudanças na iluminação e na composição que as possibilidades parecem quase infinitas", diz ele.

Embora o virtuosismo técnico de Greene tenha sido evidente desde seus primeiros dias, percebe-se um movimento constante em direção a um trabalho cada vez mais atraente e inventivo. Greene atribui isso a um esforço deliberado para continuar progredindo. "Quando eu comecei, muito do meu trabalho era clássico - comparável a coisas que já haviam sido feitas antes", diz ele. “A certa altura, ao tentar me desfazer de deficiências no meu trabalho para continuar melhorando e melhorando, concluí que sabia tecnicamente como pintar. A fraqueza que percebi estava na concepção. Então, comecei a desenvolver idéias que eram mais originais. Eu experimentei combinações e idéias que sabia serem singulares. ” Consequentemente, Greene aconselha os artistas a permanecerem abertos à exploração. “Se você faz, sua pintura se torna e continua sendo mais interessante. E espero que o trabalho seja mais interessante para as pessoas também. ”

Fazendo o trabalho da sua vida

O filósofo do século XIX, Henry David Thoreau, disse: “Vá com confiança na direção dos seus sonhos. Viva a Vida que você imaginou." Greene é alguém que foi capaz de fazer isso. Ele percebeu cedo o propósito de sua vida, estabeleceu metas e nunca duvidou. "Eu apenas trabalho o tempo todo", diz ele. "Tive uma sorte extraordinária de ganhar a vida fazendo o que sei que deveria estar fazendo".

Embora ele tenha reduzido a quantidade de ensinamentos que ensina, Greene diz que não haverá aposentadoria. "Não suporto pintar."


Anne Hevener é editora-chefe daDiário De Pastel, Artista Aquarela e Artists Magazine. Ela mora na cidade natal de Daniel Greene, em Cincinnati, Ohio.


Assista o vídeo: Trailer: The Process w. Daniel Graves (Agosto 2022).