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As naturezas-mortas dos aquarelistas Dawn Clements

As naturezas-mortas dos aquarelistas Dawn Clements



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Ficamos tristes ao saber que o artista Dawn Clements, cujas grandes obras cumulativas da natureza morta capturaram a alegria da vida cotidiana, faleceu recentemente aos 60 anos. De acordo com o obituário de Neil Genzlinger paraO jornal New York Times: “Dawn Clements, cujos intrincados desenhos e aquarelas capturaram cenas detalhadas de sua própria vida e de melodramas de filmes, geralmente em escala panorâmica, morreu em 4 de dezembro, em um hospital no Bronx… Os desenhos de Clements - geralmente em tinta sumi ou caneta esferográfica - e suas pinturas costumavam usar várias folhas de papel amassado, costuradas em formas grandes e irregulares que contrastavam com a precisão técnica de sua mão. ”

Clements foi apresentado em um artigo de John A. Parks na edição de abril de 2018 daArtista Aquarela. Lutando contra o câncer no momento da entrevista, Clements abordou sua doença e como isso afetou seu trabalho. Dedicamos o artigo, republicado aqui, à memória de Dawn.

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Um efeito cumulativo

Dawn Clements desenha e pinta o ambiente, passando de um ponto de vista para outro com um olho intenso e uma mão segura durante dias e semanas. Os trabalhos tornam-se cumulativos, não apenas como observações, mas também fisicamente, à medida que a artista adiciona folhas de papel para incorporar cada nova área de seu assunto. Gradualmente, eles crescem e se tornam pedaços muito grandes, alguns com mais de 6 metros de comprimento.

Dobrado, estressado pelo manuseio e, muitas vezes, longe de retângulos verdadeiros, o trabalho final de Clements testemunha um longo envolvimento físico com o mundo. Inevitavelmente, esse empreendimento se torna autobiográfico, não apenas como testemunho de passar um tempo em um determinado local, mas também no registro dos objetos com os quais a artista se encontra vivendo.

Recentemente, diante de graves problemas de saúde, Clements optou por incorporar evidências de seus tratamentos em andamento na forma de embalagens de medicamentos. Um corpo de trabalho que assume a natureza transitória e transitória da percepção agora se expandiu para se tornar uma meditação sobre a mortalidade.

Longe de negativo, a pura vibração e intensidade do trabalho confirma a alegria do artista em envolver o mundo, mesmo que parte do assunto assuma uma nova pungência.

FORA DO PAPEL

Clements começou a trabalhar da maneira atual no início dos anos 90, quando desenhava naturezas-mortas e se viu viajando. "Eu estava em um quarto de hotel na Itália, puxando um fio de telefone", lembra ela. "Não planejei muito bem o desenho e a imagem não coube no papel. Fiquei decepcionado até perceber que realmente não precisava me confinar ao retângulo do papel - que eu podia adicionar pedaços para ampliar a imagem.

“Depois que me permiti colar em mais papel, percebi que podia fazer desenhos grandes a partir de módulos menores. Uma vez que a moldura do retângulo foi alterada, eu pude pensar em desenhar de uma maneira mais escultural, que um desenho não precisa ser uma "janela", mas poderia se apresentar como o objeto que é ".

Clements descobriu ainda que não precisava manter o desenho crescente; quando demorava muito para gerenciar, ela podia dobrá-lo, o que lhe permitia fazer desenhos em uma escala muito maior.

“Às vezes, meus desenhos ficam rasgados, desgastados ou angustiados quando eu os colo e colo”, ela diz, “mas depois os remendo e os reparo. Tudo isso faz parte do meu processo. ”

UMA MUDANÇA DE PONTO DE VISTA

O processo de Clements inevitavelmente resulta em imagens um pouco fraturadas. Eles incorporam várias disjunções à medida que o trabalho de um dia é adicionado ao próximo. Em certo sentido, o trabalho reflete a maneira como abordamos um mundo abrangente e contínuo a partir de uma colcha de retalhos de pontos de vista variáveis ​​e informações sensoriais. Mas os desenhos também apresentam uma apreciação muito mais elaborada da riqueza visual de um ambiente do que normalmente consideramos.

Clements trabalha perto de cada objeto, passando um tempo observando-o intensamente antes de passar para o próximo. Ela aceita que seu processo significa que dispensará um espaço de perspectiva completo e coerente ao longo de uma obra. Embora objetos individuais ou pequenos agrupamentos possam ter uma perspectiva "correta", todo o trabalho pode incorporar muitos pontos de vista diferentes, assumindo uma certa flexibilidade.

“Não apenas mudo meu ponto de vista”, diz o artista, “mas posso desenhar em diferentes momentos do dia. Isso pode resultar em várias sombras ou sombras que não estão em conformidade com uma única fonte de luz. " O trabalho anterior de Clements apresentava uma variedade de mídias, mas nos últimos anos ela começou a trabalhar extensivamente em aquarela.

“Antes de 2012, eu trabalhava principalmente em tinta e guache”, diz ela, “às vezes esferográfica, às vezes tinta e pincel Sumi, às vezes guache. As pessoas geralmente descrevem meu trabalho como 'desenho'. Mesmo que eu use tinta, há algo no meu processo que faz as pessoas pensarem que meu trabalho é desenhar. Não me importo com o que as pessoas chamam. Para mim, é trabalho. "

A certa altura, Clements optou por usar a aquarela, porque ela combinava com seu senso de processo como desenhista. "Quando trabalho com tinta, geralmente não uso água ou branco", diz ela. “Isso torna impossível o apagamento. Isso não quer dizer que as marcas não possam ser alteradas. Se eu realmente não conseguir viver com uma marca, cortarei e colarei em um novo pedaço de papel limpo. Ainda assim, na maioria das vezes, tento viver com os chamados erros que cometi e apenas segui em frente, aceitando que isso faz parte da experiência de fazer - e, finalmente, de ver - o trabalho.

“Quando eu decidi trabalhar em guache”, continua ela, “havia algo em usá-lo que parecia pintura. O que foi isso? Como se viu, era a presença da cor branca na paleta. Quando o branco estava disponível, eram possíveis correções e apagamentos. Além disso, a construção de um formulário tinha mais potencial para ser mais tradicionalmente pintora. Geralmente, os pintores a óleo trabalham do escuro para o claro. Embora o guache seja um meio à base de água, ele tem o potencial de ser opaco, portanto as revisões podem ser feitas com facilidade. ”

Um dia - Clements não se lembra por que - ela decidiu trabalhar em aquarela em vez de guache, e parecia muito diferente. "Embora fosse pintura, parecia que eu estava desenhando novamente", diz ela. "Percebi que em aquarela não usava branco opaco e que as tintas eram sempre translúcidas. De alguma forma, eu nunca poderia cobrir meus 'erros'. Parecia desenhar novamente. O espectador teve acesso à minha busca e luta.

"Adoro como a aquarela pode revelar uma mudança de opinião ou uma mudança de posição, uma direção considerada e redirecionada".

COMEÇANDO PEQUENO

A maneira pela qual Clements constrói um desenho por meio de um processo de acréscimo significa que o trabalho geralmente passa por considerável manuseio - e que o trabalho eventual pode atingir uma escala muito grande. Essas são características que contribuem para a natureza e o poder do trabalho, mas também apresentam desafios em termos de longevidade.

As obras concluídas são exibidas sem moldura, estendendo-se pelas paredes de uma galeria e expostas a acidentes. "Eu me preocupo com a longevidade do meu trabalho, mas acho que estou mais interessado na pesquisa em si", diz Clements. “Muitas vezes faço grandes trabalhos em espaços pequenos, por exemplo, um grande desenho da minha mesa da cozinha.”

Para fazer isso, ela pode começar pequena, adicionar papel com cola à medida que avança e depois dobrar o papel para acomodar seu alcance. Clements quase sempre trabalha em uma superfície plana paralela ao chão, como uma mesa, e quase nunca trabalha na parede. "Isso me mantém perto dos objetos que estou desenhando e me coloca bem na mesa da cozinha", diz ela. "Espero que, embora o trabalho possa se tornar muito grande em tamanho, nunca seja" monumental "".

Clements se esforça para transmitir uma intimidade em seu trabalho, mesmo quando é um formato grande. "Quero que o trabalho reflita minha vida e o que vejo - tanto o amor quanto a bagunça", diz ela. "Talvez a angústia que acontece com o trabalho faça parte dele."

UMA NOVA CONDIÇÃO

Embora o trabalho de Clements sempre tenha sido um tanto autobiográfico ao registrar os espaços em que viveu e trabalhou, ele assumiu um novo significado desde que a artista se viu enfrentando sérios desafios à saúde.

"Em abril de 2016, fui diagnosticado com câncer de mama em estágio inicial", diz Clement. “Foi devastador, mas pelo que entendi, cirurgia, quimioterapia e radioterapia podem muito bem livrar o câncer do meu corpo. Infelizmente, meu câncer não respondeu ao tratamento. No final de outubro de 2016, me foi revelado que havia se espalhado para outras partes do meu corpo e que eu tinha um câncer metastático em estágio muito avançado [Estágio IV]. Não havia papel para a cirurgia, e meu prognóstico era muito grave. Isso foi um choque terrível para mim.

No dia seguinte ao recebimento desta notícia, Clements viajou para Roma para uma residência programada de dois meses na Academia Americana. "Garantindo que eu poderia receber o mesmo tratamento médico em Roma, meu oncologista me incentivou a ir", diz o artista. “Um oncologista em Roma se comunicou com o meu em Nova York para que eu pudesse iniciar um tratamento. Foi um momento bastante louco, adaptando-me a um novo local e a um sistema de saúde diferente, enquanto tentava envolver meu cérebro em torno da gravidade de minha nova condição.

“Como você pode imaginar, esse foi um momento muito confuso para mim. Mas lá estava eu ​​neste lugar extraordinário, com um estúdio glorioso em uma comunidade de artistas e acadêmicos talentosos e brilhantes. Foi uma época muito estranha, de muitas maneiras onírica ”, diz ela.

DIA A DIA

Notavelmente, Clements lançou uma aquarela muito grande. "Para o meu projeto em Roma [Três mesas em Roma, abaixo] Eu queria experimentar algumas idéias relacionadas à possibilidade de níveis diferentes de definição ou resolução coexistirem com sucesso em um único trabalho ”, diz ela. “Para fazer isso, criei algumas regras para mim. Decidi desenhar o que observei em várias mesas. Em vez de ficar fixado em uma posição, eu me movia ao longo da borda da mesa para estar sempre perto dos objetos que estava observando, interpretando-os da mesma maneira que uma câmera de vídeo ou filme lentamente viaja e escaneia um espaço. "

Clements começou todos os dias cortando um pedaço de papel de um rolo grande, escolhendo um tamanho que ela pensou que poderia preencher naquele dia. “Por exemplo, no primeiro dia, planejei pintar um galho de pinheiro, de modo que o papel fosse do tamanho de um galho de pinheiro, não muito maior”, diz ela. "No segundo dia, cortei outro pedaço pequeno de papel e o colei à esquerda do primeiro dia de trabalho." Ela então pintou um ramo de oliveira nele. "Em cada dia subseqüente, eu adicionava apenas papel suficiente para esse dia", diz ela, "e é assim que o trabalho cresce [eventualmente atingindo 22 pés de largura]".

Clements adicionou outra regra ao seu processo; ela prometeu nunca voltar ao trabalho do dia anterior. Ela só seguiria em frente. “Eu poderia adicionar qualquer tamanho ou papel de forma que quisesse, e o trabalho concluído poderia ser de qualquer tamanho ou formato que eu desejasse dentro dos limites das oito semanas da residência. Eu era limitado apenas pelo tempo, não pelo tamanho ”, diz ela.

As regras auto-impostas de Clements realmente permitiram que ela entendesse como diferentes níveis de resolução poderiam operar em um único trabalho. "Normalmente, eu trabalhava na imagem de um objeto até sentir que estava completo, geralmente com um nível de definição bastante alto", diz ela. “Às vezes isso leva horas, até dias. Nos meus trabalhos anteriores, certas mudanças físicas e temporais frequentemente me impediam de resolver uma imagem da maneira que eu pretendia.

“Por exemplo, uma flor murcha ou deixa cair suas pétalas; um jacinto floresceria; um pedaço de fruta se deterioraria gradualmente; ou uma residência chegaria ao fim. Eu sempre tentei responder a essas mudanças e incorporá-las ao trabalho. O impacto da passagem do tempo e da mudança física afetou a maneira como compus e resolvi o trabalho. Em vez de controlar meu ambiente, tentei fazer parceria com ele.

"Mas em Roma, criei parâmetros ainda mais rígidos para reconhecer o papel da natureza na mudança, crescimento, decadência e tempo", diz Clements. "Na minha opinião, essa restrição de tempo forçada deu propósito às variedades de resoluções". Juntamente com o papel angustiado e as dobras, os níveis de resolução se tornaram parte integrante do processo.

EFEMERA PESSOAL

Ao prosseguir com esse projeto focado e ponderado, a artista reconhece que toda a empresa foi complicada por seu estado físico e emocional ao lidar com sua condição médica.

“Meu novo regime de tratamento, ter que administrá-lo na Itália e tentar entender meus sentimentos sobre o progresso de minha doença e mortalidade foi difícil”, lembra ela. “E o trabalho em si foi exigente e emocionante para mim. Foi preciso muito foco. ”

Enquanto se movia e pintava as mesas, Clements acrescentou objetos como frutas, pedaços de papel e outras coisas que encontrou em sua vida cotidiana. “Nas últimas semanas trabalhando nessa peça, continuei tomando pílulas de quimioterapia e olhando para a caixa, guardando as embalagens usadas das pílulas que havia consumido. Eu queria incluí-los no trabalho, mas não o fiz imediatamente. ”

Ela se perguntou se a presença deles sobrecarregaria o trabalho e criaria uma narrativa muito forte e talvez até muito sentimental. Mas, finalmente, ela decidiu incluir a grande caixa de remédios (Xeloda) e as embalagens vazias.

"De certa forma, tornou-se um calendário, uma maneira de contar dias", diz Clements. “E acabei de decidir que, para mim, seria desonesto não incluir esses objetos que se tornaram uma parte tão essencial da minha vida. Eles se tornaram tão significativos e comuns quanto qualquer um dos objetos em cima da mesa.

“Mas é claro”, ela continua, “o texto na embalagem da caixa de comprimidos é muito legível e o texto em um trabalho visual pode ser uma área de foco. As pessoas veem e leem. Tem potencial para impulsionar e enfatizar uma narrativa. ”

No entanto, a narrativa final de Três mesas em Roma acaba sendo muito mais amplo que a história de uma doença. Incorporados à imagem estão frutas, folhagens e uma variedade de embalagens italianas que exibem tipos coloridos e elegantes. Uma lâmpada e um telefone são unidos pelo madeira desgastada do tampo de uma mesa e um vislumbre de gramado e luz na vista através de uma janela.

A vida continua em todos os seus aspectos de crescimento e decadência. Artefatos eletrônicos sofisticados tomam seu lugar ao lado de formas naturais; um certo gosto por prazer e leveza habita a peça. Toda a riqueza da vida está aqui. Se alguns de seus aspectos são necessariamente mais sombrios que outros, o artista consegue nos dar uma olhada no todo com considerável prazer e alegria.

Um pé quadrado de gramado

Uma das aquarelas mais incomuns de Clements -Relva- representa uma pequena área de gramado vista de cima, na qual cada lâmina de grama e flores silvestres é explorada com um olho quase obsessivo.

"Muitas vezes, eu o descrevo como uma espécie de escalada", diz Clements, referindo-se a um estado de intensa observação. Reconhecendo os detalhes pesados, ela ressalta que, em alguns assuntos, os detalhes são inevitáveis.

"Se estamos desenhando o interior de uma igreja ornamentada, podemos ser considerados obsessivos se desenharmos todos os detalhes", diz ela, "mas, na verdade, esse é o assunto". Clements diz que seu interesse em desenhar minuciosamente um pedaço de gramado foi influenciado por certas obras de Fra Angelico (italiano; 1395-1455), nas quais seções do gramado, grossas com várias flores, aparecem ao lado de figuras.

"Fiquei impressionado com a revelação de quanto os gramados europeus se assemelham ao gramado de Fra Angelico e que os gramados de Fra Angelico podem ter vindo de uma experiência observada de seu ambiente", diz ela. “Como as pinturas de Fra Angelico são tão etéreas, nunca pensei nelas como sendo deste mundo. Ver esse gramado de Fra Angelico na vida do lado de fora da porta do meu estúdio na Umbria me impressionou de uma maneira poderosa. O próprio processo de desenhá-lo todas as manhãs o tornava um foco mais meditativo do que obsessivo. ”

Para pintar o gramado, Clements decidiu que passaria apenas uma hora por dia de sua residência de seis semanas na Úmbria pintando uma seção de cerca de um metro quadrado de gramado. Ela fez isso por 23 dias consecutivos. "O que me interessou foi que um gramado está sempre crescendo", diz ela. “Às vezes, mesmo ao longo de 24 horas, seria difícil encontrar meu lugar novamente.

"Não sou botânico e sou péssimo jardineiro, mas foi fascinante passar esse tempo com um metro quadrado de gramado".

Sobre Dawn Clements

Dawn Clements (d. 2018) cresceu em Chelmsford, Massachusetts, onde seu pai era artista. Algumas de suas primeiras lembranças estavam desenhando com ele em seu estúdio. Na faculdade, ela estudou filme antes de finalmente seguir uma carreira na arte. “Conheço música e filme influenciou meu trabalho e me incentivou a considerar como nos movemos e constantemente estruturamos, interpretamos e apresentamos nossas experiências à medida que avançamos em nossas vidas”, disse ela. “Cheguei a pensar na observação olhando atentamente, mas também ouvindo e tocando. Passei a apreciar pontos de vista que se movem e mudam. ”

O trabalho de Clements foi exibido amplamente ao longo de muitos anos, inclusive na Bienal de Whitney 2010. Também está incluído nas coleções permanentes do Museu de Arte Moderna; o Museu Whitney de Arte Americana; O Museu Tang, em Saratoga Springs, Nova York; Coleção Deutsche Bank; A coleção Saatchi, em Londres; A Galeria de Arte Henry; a Universidade de Washington, em Seattle, Washington; e Colecção Madeira Corporate Services, em Portugal.

Clements morou em Nova York e foi membro da faculdade da Rhode Island School of Design.

Artigo escrito por John A. Parks, pintor, escritor e membro do corpo docente da Escola de Artes Visuais de Nova York.


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